Mise à jour Ableton Live 11.

Comme un rituel annuel, je vais vous parler de la mise à jour du logiciel Ableton Live 11. 

Cette nouvelle version a été annoncée à travers le site d’Ableton mais aussi à travers les médias de l’univers de la MAO. 

Hélas, au moment où j’écris ces lignes, le logiciel n’est pas encore disponible. Sa commercialisation est prévue pour le premier trimestre 2021. Rassurez-vous, vous pouvez toujours le précommander sur le site du constructeur.

Pourquoi faire l’annonce de la mise à jour maintenant ? 

Tout simplement parce que nous arrivons à la période des fêtes de fin d’année et quoi de plus sympathique que d’offrir à un membre de votre famille, votre copain ou copine la version 11 de cet incontournable logiciel qu’est devenu Ableton Live !

Outre l’effet pré-vente, cela a un impact non négligeable sur la communauté des utilisateurs d’Ableton live. On passe de la version 10 largement plébiscitée à une version 11 pleine de promesses et de ce point de vue-là Ableton nous gâte.

Quelles sont les nouveautés de cette version 11 ? 

Entrons dans le vif du sujet avec un nouveau mode d’enregistrement que l’on connaît sur d’autres logiciels sous le nom d’enregistrement composite.

Enregistrement et assemblage de prises:

Maintenant, avec Ableton live 11, lorsque vous ferez des enregistrements aussi bien en audio qu’en midi vous aurez la possibilité de sélectionner les meilleurs moments de chacune des différentes prises puis de les assembler pour constituer la prise de son parfaite.

Enregistrement et assemblage de prises

Un avantage non négligeable de ce nouveau mode d’enregistrement. C’est qu’il apporte aussi la possibilité de travailler au niveau du design sonore d’une nouvelle façon que j’avais déjà explorée dans ce titre en réunissant des échantillons de différents types d’instruments pour les assembler de façon à créer des changements rapides d’instrumentations. On a déjà eu l’expérience de ce type de d’exploration avec la musique Electro.

Et croyez-moi, il y a encore bien d’autres façons de pouvoir expérimenter le design sonore avec ce type de fonctionnalité…

Édition de pistes liées:

L’objectif est de lier des pistes entre elles pour en faire l’édition. Cela permet de conserver l’alignement des différentes pistes.

C’est très pratique par exemple lorsque, pour les  enregistrements de la batterie, on fait l’expérience d’enregistrer la grosse caisse avec un micro à l’arrière et un à l’avant.

Avec l’édition de pistes liées vous pourrez éditer simultanément le contenu de chacune des deux pistes de la grosse caisse.

Ce principe d’édition est très intéressant car il permet de conserver l’alignement de la piste micro arrière par rapport à la piste micro avant et de respecter les phases lors de l’enregistrement avec les micros. Si vous enregistrez des percussions, de la batterie, un ampli guitare avec plusieurs micros, cela vous fera un gain de temps important.

Cela fonctionne également avec les pistes midi ! Dans ce contexte-là, ça sera intéressant si vous faites de la superposition sonore (Layering) et que vous souhaitez éditer deux ou plusieurs pistes simultanément.

Ableton Live 11 compatible avec les contrôleurs MPE !

Ableton Live 11
Contrôle de plusieurs paramètres en temps réel

Dans un précédent article basé sur le Midi, j’évoquais l’arrivée des contrôleurs MPE et bien évidemment leur compatibilité avec les logiciels du marché. La mise à jour d’Ableton Live 11 résout ce manque de compatibilité. Maintenant vous pourrez désormais utiliser dans Ableton Live 11 des contrôleurs tels que Roli et certainement le très attendu Osmose d’Expressive E.

Cet apport d’expressivité donnera de nouvelles perspectives sonores à vos compositions ou chaque note pourra bénéficier d’un contrôle de plusieurs paramètres en temps réel en vue d’une interprétation instrumentale beaucoup plus poussée aussi bien en temps réel qu’en édition.

Bien évidemment des nouveaux sons plus expressifs sont inclus dans cette mise à jour. Les synthés comme Wavetable, Sampler et Arpeggiator ont été mis à jour pour prendre en charge le protocole MPE. Ableton Live 11 sera fourni avec des presets MPE pour chaque périphérique. Cette mise à jour pour les contrôleurs MPE permet à la surface de contrôle push 2 de bénéficier de possibilité d’expression comme l’aftertouch polyphonique.

Et la scène ? 

Cette version 11 apporte aussi son lot de nouveautés pour les musiciens sur scène et ce n’est pas peu dire ! 

Suivi du tempo:

Jusqu’à présent, lorsque que l’on voulait travailler avec Ableton Live sur scène, il était nécessaire d’envoyer un clic que tout le monde devait suivre. Désormais LIVE écoute et ajuste le tempo d’une entrée audio prédéfinie en temps réel ! Incroyable n’est-ce pas ? Il me tarde de pouvoir essayer cette fonctionnalité ! Et vous ?

Suivi du tempo et macro

Et les macros ?

Cette nouvelle mouture permet maintenant d’enregistrer l’état des macros à un instant T de votre jeu pour les rappeler par la suite, ce qui est parfait pour créer des changements instantanés de vos sons en pleine performance.

Ainsi, les racks ont été améliorés pour permettre les captures de macros, de façon à bénéficier de 1 à 16 macros ainsi que d’un bouton de randomisation. Tout cela bien évidemment affectable à un contrôleur MIDI !

Êtes-vous imprévisible ?

Lorsque l’on joue avec un séquenceur, que ce soit en studio ou sur scène, il est très rare d’être imprévisible tant dans le jeu que dans les sonorités surtout si par exemple vous jouez d’un instrument comme la guitare et que vous êtes dans l’obligation de suivre le clic de votre stan…

Ableton Live 11 peut être imprévisible, tout dépend du facteur chance ! 

Avec le paramètre Note Chance il est possible de déterminer la probabilité qu’une note se produise et ensuite de laisser Ableton live 11 générer des variations qui vont évoluer et changer avec le temps. 

Maintenant, avec le paramètre Velocity Chance, il est également possible de définir des plages de probabilité de vélocité pour créer des variations et humaniser les clips midi de batterie ou des synthés.

Action !

Utilisez-vous les Follow Actions dans Live ? Personnellement j’adore les actions de suivi et l’idée que maintenant, dans Ableton Live 11, les actions peuvent être désormais liées à la longueur du clip pour créer des séquences intéressantes plus rapidement. Ça, c’est génial ! Cela va permettre de créer des morceaux beaucoup plus évolutifs au niveau de l’arrangement et de passer d’un clip précis à un autre, sachant que Ableton live 11 permet leur activation ou leur désactivation globalement.

Gamme de jeu

Revenons à quelque chose de nécessaire voire même utile: dans l’éditeur de clip Midi on peut désormais bloquer le clip sur une gamme musicale précise afin de ne pas avoir de fausse note. Et cette fonction d’Ableton live 11 va même plus loin mais j’en reparle avec les nouveautés de Push…

Nouveau périphériques !

Hybridation de modèles à convolution et algorithmique, Hybrid Reverb est fait pour créer des espaces sonores réalistes aussi bien que des espaces qui défient les lois de la physique. J’ai hâte de l’essayer dans le sound design…

Imaginez-vous en train de décomposer le spectre d’un signal audio entrant en partiels, puis l’étirer, le décaler et le brouiller pour ensuite en jouer comme d’un instrument avec le MIDI. C’est ce que propose Spectral Resonator, du lourd apparemment !!!

Et son frère Spectral Time transforme le son en partiels et les fait passer dans un délai de type fréquentiel, pour des résultats comparables à des échos métalliques, des effets de décalage de fréquence et de réverbération. La fonction Freeze capture et maintient indéfiniment l’audio entrant. Celui-là titille ma curiosité…

Inspired by Nature est une collection de 6 instruments et effets ludiques s’inspirant de phénomènes physiques et naturels créée en collaboration avec Dillon Bastan.

Réalisé en collaboration avec Robert Henke et basé sur l’un des premiers processeurs d’effets numériques, PitchLoop89 crée des effets de glitch, des délais numériques aux sonorités typées et des vibratos inhabituels qui vont donner du caractère aux sons, aussi bien sur scène qu’en studio. 

Nouveaux sons !

Je vous laisserai découvrir cela lorsque Ableton live 11 sera sorti, mais sachez que 3 banques intitulées Upright Piano, Brass Quartet et String Quartet ont été réalisées avec Spitfire audio

Et Push là-dedans ?

Avec Ableton Live 11, la gestion des gammes musicales se fait en lien entre l’éditeur midi et Push. Maintenant cela peut être modifié d’un clip à l’autre.

L’affichage des nouveaux périphériques a été apporté à Push de façon à ce que vous puissiez directement les visualiser sur l’écran du contrôleur.

Lorsque vous utilisez Wavetable, Sampler, Arpeggiator et des VST qui prennent en charge les performances MPE, il est possible dans Push de pouvoir définir la prise en charge de l’aftertouch polyphonique.

Dans Push, les macros 1 à 8 s’affichent dans la page rack. Dès qu’on affecte plus de 8 macros, une seconde page apparaît automatiquement avec les macros 9 à 16.

Le mot de la fin concernant cette mise à jour d’Ableton live 11.

J’aurais bien aimé qu’Ableton live 11 soit directement disponible en téléchargement suite à l’annonce de sa mise à jour, car actuellement avec le re-confinement nous avons du temps pour expérimenter, créer et développer notre style musical. Une seule question vient à mon esprit: dans le contexte actuel, avons-nous les moyens financiers de faire cette mise à jour ?

Actuellement, Ableton propose une offre limitée dans le temps. Peut-être faudrait-il la mettre dans votre liste au père Noël à côté des prochains mixages et masters que vous avez envie de me confier? 😉

Comment monter son studio ? Épisode 2

Dans ce nouvel opus de “Comment monter son studio”, nous parlerons tout simplement de meuble de studio.

Peut-être vais-je avoir un discours d’un autre âge, mais de mon temps avoir un meuble sur mesure pour son studio nécessitait de passer commande auprès d’un menuisier !

Certes, il est facile maintenant avec les constructeurs spécialisés de trouver le meuble idéal pour son studio.

Mais de quel meuble ai-je besoin ?

Je trouve que cette question a tout son sens car tout dépend si l’on est compositeur, designer sonore, guitariste, batteur, percussionniste ou violoniste mais aussi ingénieur du son !

Eh oui, car nous n’avons pas la même façon de structurer notre environnement de travail en fonction de notre pratique professionnelle et musicale.

Ci-dessous voici par exemple un meuble conçu pour la console de mixage et donc pour les ingénieurs du son.

Phoenix-Modson
Phoenix de Modson équipé avec la console SSL XL

Mais quels sont les besoins que nous avons tous en commun ?

Dans notre exploitation nous avons tous un ordinateur, une carte son, une paire de monitoring et un clavier midi ou une surface de contrôle pour piloter nos plug-ins et nos synthés virtuels…

Ikéa Bekant
Ikea Bekant utilisé par Andrew Huang

La base du mobilier de studio est donc un bureau pour poser tout ce bel appareillage.

Certains pourraient être tentés d’aller faire leurs courses à Ikéa. En effet, il est possible d’y trouver une table ou un bureau qui peut être détourné en meuble de studio.

Dans l’image ci-dessus, on découvre le meuble IKea Bekant qui vous permet de travailler aussi bien assis que debout ! Andrew huang en parle très bien dans cette vidéo à partir de 3’39.

Et pour mon clavier ?

Concernant le clavier midi ou votre synthétiseur, vous avez certainement envie d’une tablette sous le meuble pour rentrer votre komplete Kontrol flambant neuf et faire la démonstration de votre sens de l’organisation et du rangement.

Si vous en avez les moyens, les meubles proposés par la société Output qui développe des logiciels et des équipements pour les musiciens, les compositeurs, les producteurs et les concepteurs sonores de tous les genres pourraient faire votre bonheur. A mettre dans votre liste pour le passage du Père Noël !

Meuble de studio
Le meuble Platform conçu par Output

En revanche, il existe peu de stands adaptés à une surface de contrôle telle que Push 2 pour Ableton ou Maschine de Native Instruments.

Petite astuce !

Pour avoir un bureau propre où poser votre surface, j’ai trouvé ce stand inclinable sur le géant de la vente en ligne qu’est Amazon.

Stand Amazon
Stand inclinable sur Amazon

Bien évidemment il existe pléthore de fabricants de meubles de studio car c’est un véritable business de concevoir et de vendre des meubles conçus pour les home studio, afin de bien travailler.

Qu’en est-il des projects Studio et Studio Pro ?

Eux aussi ont droit à des meubles dans des catégories plus haut de gamme comme on en trouve chez Argosy.

Eclipse - Argosy
Meuble conçu par Argosy dans un configuration Avid S4

L’avantage de ces types de meubles est leur adaptabilité en fonction de votre console de mixage.

Keoda fabrique aussi des meubles dans le même style.

De mon point de vue, que cela soit Keoda ou Argosy, on est dans des budgets trop importants, surtout si on démarre son activité.

Quel meuble de studio est indispensable ?

Tout simplement un fauteuil de bureau pour s’asseoir pendant de longues heures pendant que vous composez le titre du siècle !

Pour cela, si votre bourse vous le permet, il existe un incontournable d’un confort extrême dont je recommande vivement l’utilisation malgré son prix.

Je parle du fauteuil Herman Miller Aeron. Personnellement j’ai eu le privilège de travailler sur ce petit bijou de technologie de ces 20 dernières années.

Et franchement il est dans ma top liste de Noël 2020 ! En plus il est possible de l’acheter sans les accoudoirs, ce qui n’est pas vraiment nécessaire dans mon cas car je n’ai pas le temps de reposer mes bras.

Le seul hic est si vous ne travaillez pas seul… Seconde option, optez pour des fauteuils moins onéreux mais assez confortables pour vos collègues musiciens.

Ou pensez tabouret de batterie ou de bar. Cela a son charme dans un studio.

Pour finir sur mes conseils de fauteuils de studio, testez-les avant de les acheter.

Quel autre meuble de studio pourrait vous être utile ?

  • Des supports d’enceintes car c’est bien pratique si on ne veut pas poser ses moniteurs sur son meuble de travail.
  • Des étagères de rangement pour les vinyles, les manuels, des dictionnaires d’accords, des livres, voire une imprimante car j’ai souvent besoin d’imprimer des partitions, des notes techniques ou plus simplement des factures.
  • Un pupitre : c’est bête à dire mais on ne connait pas tous les textes de chansons par coeur !
  • Une malle qui peut être recouverte d’un coussin pour ranger des câbles, des micros et autres accessoires du studio dans un style ancien ou moderne.

Le mot de la fin pour ce second épisode de “Comment monter son studio” ?

Si les propositions précédentes ne vous conviennent pas, vous avez encore la solution de faire faire un meuble sur-mesure, comme cela a été mon cas. Attention, le coût n’est pas négligeable et même si à une époque j’avais envie d’en faire la commercialisation, j’ai vite abandonné le projet. Si cela vous intéresse et si vous souhaitez en savoir plus sur mon meuble de studio dont vous pouvez voir la photo en page d’accueil, envoyez-moi un mail

Pour connaître la suite de cette palpitante aventure, rendez-vous au prochain épisode !

Qu’est-ce que le design sonore ?

De plus en plus de personnes parlent du design sonore ou plus simplement de Sound Design.

Que cela soit dans la musique, le cinéma, le jeu vidéo ou plus simplement à travers la réalisation d’une application pour le téléphone ou pour un appareil domestique et jusqu’à très récemment dans le marketing, le design sonore en ce 21e siècle prend une place prépondérante dans notre univers auditif. 

Un bref historique du design sonore. 

L’utilisation des éléments sonores afin d’obtenir un effet désiré est la base du design sonore. 

On peut dire dans ce cas précis que c’est la mise en scène du son et on retrouve cela dans tout l’univers multimédia que nos oreilles perçoivent.

Il est présent dans toutes les civilisations qu’elles soient actuelles ou antiques, avec un mode de tradition orale parfois considéré comme faisant partie du folklore d’un peuple.

Si au départ le design sonore était la reproduction de sons existants, par exemple le barrissement d’un éléphant ou le bruit que l’on entend lorsque l’on croque dans une pomme, il est devenu rapidement nécessaire de manipuler la captation sonore réalisée pour pouvoir la transformer et créer de nouvelles sonorités propres aux ambiances des codes cinématographiques, musicaux, des jeux vidéo ainsi que des outils de notre quotidien. 

Parlons de ce fameux folklore, imaginaire où la musique ne suffit pas à transmettre une émotion ou un ressenti. Pour m’expliquer clairement, imaginez un film où vous voyez un dragon avec en fond sonore une musique puissante mais aucun son émis par le dragon lorsque par exemple il hurle et crache du feu.

Cela ne vous ferait pas bizarre ?

Captation Sonore: la base

Si au départ on parlait de captation sonore, ce terme va vite se transformer en design sonore à partir du moment où il y a une intention de manipulation de la sonorité enregistrée.

Un exemple très simple: déformer un impact que l’on aurait donné avec un marteau sur une enclume. 

Il existe de multiples façons de retravailler le son d’origine. 

Les processus de base de la retouche sonore sont multiples et variés. Les lister serait trop long. 

Sachant qu’actuellement avec la technologie informatique, il est possible de cumuler plusieurs processus de retouche sonore dans le but de complètement déformer, déstructurer une sonorité pour la remodeler selon une exigence visuelle.  

Enregistrez, ré-enregistrez !

En dehors des retouches sonores qui peuvent être faites, il est possible d’enregistrer des sonorités qui ne nécessitent pas de retouches importantes mais qui permettent de par leurs ré-enregistrement de créer de nouvelles sonorités.

Un exemple très simple est celui de la respiration de Dark Vador. Ce n’est ni plus ni moins qu’un masque de plongée dans lequel on a enregistré l’inspiration et l’expiration. Ce même enregistrement a été diffusé sur une enceinte dans un long couloir et ré-enregistré avec l’effet acoustique de la pièce. La respiration du seigneur Vador venait d’être créé par Ben Burtt.

Dark Vador !

Superposer !

il est possible d’enregistrer des sonorités qui ne nécessitent pas de retouches importantes mais qui permettent de par l’adjonction d’autres sonorités de créer de nouvelles sonorités.

Un autre exemple venant de Starwars avec la Pod Race. En toute logique pour cette course d’engins modernes, des bruitages de véhicules ont servi de base sonore. Si on tend l’oreille, on retrouve des bruits de Formule 1, des avions à réaction, des motos, des fusées, des hélicoptères ou encore des bateaux ou de vieilles voitures à moteur extrêmement bruyant. Le design sonore a été mis en avant avec la superposition de ces sonorités avec des enregistrements d’un rasoir électrique en action plaqué contre un saladier en métal. Ils ont fait de même avec une brosse à dent électrique.

Ensuite dans le design sonore on peut faire appel à des synthétiseurs, des échantillonneurs… Qu’ils soient physiques ou virtuels.

Vive le 21e siècle, me direz-vous… Pas tant que cela car, pour information, les sonorités de R2D2 sont réalisés par un synthé modulaire Arp 2600 dans les années 70…

R2D2

Musique et design sonore

Il est intéressant de voir l’évolution d’un point de vue sonore et musical. 

Pour tous les fans de blockbuster américain, depuis maintenant un certain nombre d’années la musique orchestrale utilisée pour certains films d’action a été rebaptisée musique Epique.

Bon nombre de compositeurs de musique de film ont travaillé à la mixité de genres à travers ce style musical. Au sein de ce style, les synthés ont pris leur place et la musique rock et même le métal y ont été inclus. Mais là où l’évolution du style est apparue, c’est lorsque le design sonore a fait son apparition dans la composition épique.

Pour mémoire rappelez-vous le film Inception. Dans la musique de ce film, composée par Hans Zimmer, est né un nouveau type de sonorité que l’on a baptisé “Bramm” pour attirer l’attention du public.

La preuve dans différents blockbusters

Design sonore et marketing !

Oui parlons un peu de marketing, que diantre ! Car capter l’attention du public est une nécessité pour les agences de marketing. Et pour peu que vous deviez utiliser du son et/ou de la vidéo, le Design sonore est nécessaire…

Le design sonore de la fin ?

Personnellement cela fait longtemps que je fais du design sonore aussi bien dans mes créations musicales que lors de la fabrication de banque de sons.

Le travail de designer sonore nous réserve de bien belles surprises et avec l’avancée des technologies, il faut vous y mettre, ne serait-ce que dans vos compositions musicales. En effet, ce qui est important pour vous musicalement nécessite certainement de la qualité et de l’inspiration pour être entendu, ce qui, de nos jours, passe inévitablement par le design sonore…

La question est : quel type de design sonore pouvez-vous incorporer à votre musique ?

Faites-moi écouter votre style musical si vous souhaitez une réponse…

3 astuces pour composer sur Logic Pro X

Aujourd’hui, suite à un ensemble de cours que j’ai réalisés en ligne, je me suis dit qu’il était important de vous livrer 3 astuces pour bien démarrer votre composition sur Logic Pro X.

Dans Logic Pro X il y a 3 outils qui vont vous aider dans votre travail de composition musicale.

Composer horizontalement ou verticalement ?

L’avènement dans Logic Pro X depuis la version 10.5 des boucles audio pour jouer en direct amène à poser la question suivante: 

Faut-il composer en mode horizontal ou en mode vertical ?

Musicalement maintenant dans nos DAW, acronyme de Digital Audio Workstation, il existe deux moyens de composer:

  • Horizontalement, comme la tête de lecture d’un magnéto.
  • Verticalement, en fonction des différentes parties de notre morceau de musique.

J’en vois beaucoup qui composent en mode vertical une section batterie puis la basse et ainsi de suite.

Je ne dis pas que cela est une bonne ou une mauvaise méthode, mais ce dont je m’aperçois, c’est que très rapidement on est à court d’idée et on arrive inévitablement à une construction musicale par ajout et suppression. On le voit de façon très nette chez les beatmakers, ou chez les DJ producteurs.

Inversement à ce phénomène, dans la musique rock ou pop on va vite travailler avec une suite de patterns de batterie pour définir une base musicale solide sur laquelle poser les fondement de votre titre rock avec des accords et des riff de guitare.

Je vous invite à relire cet article sur la batterie. C’est ensuite que cela devient compliqué… Avoir des idées qui s’enchainent bien entre elles.

Mon astuce numéro 1

Il est important de travailler une méthodologie aussi bien en horizontal qu’en vertical.

Pour vous aider dans Logic, il y a les marqueurs.

Je travaille de la façon suivante: j’utilise les marqueurs pour faire une structure visuelle de la composition musicale.

Ainsi je peux, grâce aux marqueurs, définir le nombre de mesures pour l’intro, le couplet, le refrain et ainsi de suite en fonction du style musical.

Par exemple si je compose un titre club EDM, je serais plus dans une structure avec intro, thème, drop, relance, uplifter et ainsi de suite…

Tout dépend du style, de vous, de votre interprétation visuelle et de vos idées.

Il est possible avec la structure de créer un marqueur de fin pour éviter certaines erreurs lors d’un Bounce.

Il est possible aussi d’utiliser des raccourcis clavier avec les marqueurs pour travailler en boucle sur la section que l’on souhaite.

Rien ne vous empêche, pour structurer votre composition musicale, de vous inspirer d’un titre existant. Cela vous donnera des repères et posera les fondements de votre future composition. Je ne vous invite pas à copier ou reproduire un titre existant mais à comprendre comment mettre en place un squelette musical. Car selon les styles musicaux dans lesquelles on compose, les structures sont différentes.

Autre avantage de travailler avec les marqueurs: si vous êtes en manque d’inspiration sur un couplet, vous pouvez travailler sur l’intro par exemple et dans ce cas on travaille de manière verticale. Cette astuce vous fera gagner du temps ! Un exemple avec le refrain, on peut recopier les éléments qui le composent sur les autres refrains et faire ensuite de l’additionnel ou une interprétation légèrement différente en modifiant certaines boucles audio par exemple.

Mon astuce numéro 2

Utilisez dans votre projet Logic Pro X une gamme musicale pour être accordé dans votre composition.

Il y a plusieurs méthodes pour cela:

  • Définir dans la barre de transport la tonalité ou si vous préférez la gamme musicale de votre composition.
    • Cela a de multiples avantages: les boucles Apple loops sont automatiquement lues dans cette gamme et aussi bien les boucles audio que les boucles midi.
    • Les outils de Logic vont se caler par rapport à cette gamme musicale.
  • Utiliser l’outil de quantification de gamme comme dans l’image ci-dessous pour être sûr que les notes que vous composez sont bien dans la bonne tonalité.
Quantificateur-de-Gamme
Quantification de la gamme à gauche dans la fenêtre
  • Pour celles et ceux qui utilisent un clavier Komplete Kontrol il est possible de définir la gamme musicale directement dans le clavier. Pour l’instant il n’existe pas de lien avec Logic Pro X pour que cela se fasse automatiquement.
  • Pour les pro de la correction avec Melodyne ARA de chez Celemony
  • Enfin, pour les férus de l’autotune, savoir dans quelle gamme musicale est la composition peut vous permettre de faire de meilleurs effets vocaux.

Et travailler sous une contrainte harmonique permet de développer de très bonnes idées sans être faux.

Mon Astuce numéro 3

Le meilleur étant pour la fin, travaillez vos pistes avec un niveau audio à -6dB car il faut penser à l’étape de mixage et très souvent l’erreur des débutants est de vouloir faire le mixage en même temps que la composition.

Comme je le dis lorsque je fais les formations mixage, c’est comme une recette de cuisine: on choisit les bons ingrédients pour ensuite bien faire l’association de ces produits sans oublier qu’une fois ces produits bien mélangés (équivalant au processus de mixage), on passera à l’étape de la cuisson (équivalant au processus de mastering) ! 

Enfin pour le mot de la fin concernant cet article “3 astuces pour composer efficacement sur Logic Pro X” 

Je vois de plus en plus de compositeurs qui doublent la piste de kick ou la basse et encore pire avec certains synthétiseurs.

Ne dupliquez pas ou ne triplez pas vos pistes midi ou audio !

  • Dupliquer une piste ne correspond pas à la technique de layering (Technique qui consiste à empiler différentes sonorités pour qu’il n’en résulte qu’un seul son).
  • Dupliquer la batterie n’apportera pas un meilleur son.
  • Tripler la voix lead ne se substitue pas à un ré-enregistrement de la voix sur une autre piste.

Quand je demande la raison d’avoir dupliqué ou triplé la piste, on me répond que c’est pour améliorer le son et qu’il soit plus fort. Peut-être ont-ils oublié l’étape de mixage ?

Comment être efficace sur Logic Pro X

Composer une chanson avec Logic Pro X un rêve inaccessible? Je vous livre quelques-uns de mes secrets !!! Ou plus simplement comment être efficace sur Logic Pro X.

Par où commencer ?

Pour répondre à cette question, je vais explorer différents aspects de Logic Pro X avec des exemples concrets.

  • Le paramétrage ou comment bien régler Logic Pro X pour aller à l’essentiel.
  • Les outils: vos compagnons pour gagner du temps.
  • Les raccourcis clavier ou comment bien connaitre le logiciel
  • Les processus d’aide à la composition.
  • Les modèles pour ne plus perdre de temps.
  • La bibliothèque: elle vous sera bien utile.

Comment bien régler Logic Pro X pour aller à l’essentiel ?

Très simplement avec le paramétrage de Logic Pro X ! J’exclus de ce chapitre les réglages du moteur audio.

Trois paramétrages sont importants pour moi:

  • Les outils avancés
  • Gestionnaire de module
  • Surfaces de contrôle

Une fois les réglages effectués, on n’a plus à s’en occuper.

Démarrons avec les outils avancés

Comment être efficace sur Logic Pro X ? Avec le plus simple des réglages ! Il faut aller dans le menu principal Logic Pro X ➞ Préférences ➞ Outils avancés…

Gagner du temps avec le Menu Les outils avancés...
Menu Les outils avancés…

Lorsque la fenêtre s’ouvre, cocher toutes les cases pour sortir du mode basic et bénéficier de toutes les fonctionnalités.

Gagner du temps avec la Fenêtre Outils avancés
Fenêtre Outils avancés

Exploiter le gestionnaire de module !

Gagner en efficacité dans l’utilisation de Logic passe par la gestion des plug-ins, car à mon avis nous dépensons beaucoup de temps à charger des effets audio ainsi que des synthés virtuels.

Sur ce point-là, il n’y a pas de règle à proprement parler, plus du bon sens et votre propre expérience de l’ordre et du rangement de vos plug-ins.

Pour faire simple, il faut aller dans le menu principal Logic Pro X ➞ Préférences ➞ Gestionnaire de module…

Menu Gestionnaire de Module
Menu Gestionnaire de Module

Dans la fenêtre ci-dessous, vous allez pouvoir gérer vos plug-ins:

  • Exclure ceux qui ne sont pas compatible (oui c’est possible)
  • Créer des dossiers pour ranger par type vos plug-ins:
    • Dans l’image ci-dessous, 01 pré amp contient les pré ampli de chez UAD que j’utilise beaucoup.
  • Donner des noms personnalisés ou des abréviations à vos plug-ins pour gagner en visibilité dans la table de mixage.
La fenêtre gestionnaire de module
La fenêtre gestionnaire de module

Comment ça fonctionne ?

Simplement en faisant glisser le plug-in dans le dossier comme l’indique l’image ci-dessous.

Glisser les plug-ins
Glisser les plug-ins

Vous voulez créer votre propre dossier pour une exploitation simplifiée des synthés virtuels:

Comme dans l’image ci-dessous appuyez sur le bouton + , nommez votre dossier. Le gestionnaire classe les dossiers par ordre numérique et alphabétique. Je vous recommande d’utiliser la classification numérique surtout si vous avez besoin de ce dossier fréquemment.

Création de dossiers
Création de dossiers

Pourquoi donner un nom personnalisé ou une abréviation à un plug-in ?

Donner un nom personnalisé permet de retrouver le plug-in dans une liste importante. Personnellement je n’en suis pas fan…

Concernant l’abréviation, cela a un intérêt dans la table de mixage et dans l’inspecteur de tranche.

Comme dans l’exemple ci-dessous le synthé virtuel Omnisphere de chez Spectrasonics (un de mes synthés favori) a son nom coupé dans le slot d’insertion. En lui attribuant une abréviation dans le gestionnaire de module, exemple SP_Omni: SP pour Spectrasonics et Omni pour Omnisphere. Je gagne en lisibilité dans la table de mixage et dans l’inspecteur de tranche.

Abréviation Logic Pro X
Abréviation sans/avec

Conseil concernant les plug-ins Universal Audio !

Pour limiter les plug-ins que vous n’auriez pas achetés chez UAD au sein de votre carte son Apollo et dans Logic Pro X, il existe une opportunité supplémentaire d’exploiter uniquement les plug-ins que vous avez achetés.

Dans les settings de la console UAD, allez dans l’onglet plug-ins et appuyez sur HIDE devant chaque plug-in en Demo ou qui affiche Demo expired. Automatiquement ils n’apparaîtront plus dans la console UAD et dans le gestionnaire de module de Logic Pro X !

Et ma surface de contrôle ?

Vous êtes l’heureux propriétaire d’une surface de contrôle ou d’un clavier maitre qui fait office de surface de contrôle.

Plus simplement vous pouvez utiliser votre iPad pour piloter Logic Pro.

En ce qui me concerne j’utilise trois surfaces de contrôle dans Logic:

  • Une Artist Mix v2 d’Avid
  • Le clavier Komplete Kontrol de Native Instruments
  • Mon iPhone avec Logic Remote

Je ne vais pas rentrer dans les détails, juste vous informer où cela se paramètre car chaque appareil a son mode de configuration.

Menu Surface de contrôle / Configuration
Menu Surface de contrôle / Configuration…

Continuons avec les outils

Distinguons deux catégories d’outils comme indiqué dans l’image ci-dessous:

  • Ceux dans la barre d’outils encadrée en jaune.
  • Les outils de la fenêtre arrangement et de l’éditeur partition défilante encadrée en orange.
Sequence de réglage de la barre d'outils
Séquence de réglage de la barre d’outils
Barre d'outils et outils fenêtres
Barre d’outils et outils fenêtres

La barre d’outils configurable à souhait permet d’être enregistré pour tous les autres projets. Il n’y a pas d’outils meilleurs que d’autres. Votre flux de travail nécessitera peut-être des outils différents de ceux que j’affiche ici.

  1. Affichez la barre en utilisant le bouton en haut à gauche ou avec le raccourci clavier: ⌃⌥⌘T.
  2. Personnalisez vos outils en faisant un clic droit dans la barre ou un ⌃ clique gauche.
  3. Une fenêtre s’ouvre, cochez les outils nécessaires à vos besoins.
  4. Finissez en cliquant sur enregistrer comme valeur par défaut.

Les outils des fenêtres sont par défaut réglés pour afficher 2 outils:

  1. Clic gauche pour afficher le pointeur par exemple
  2. ⌃ clic gauche pour afficher un second outil

Pour afficher un troisième outil, allez dans le menu principal Logic Pro X ➞ Préférences ➞ Générales

Menu Générales
Menu Générales

S’ouvre le menu et dans la fenêtre Générales sélectionnez l’onglet Edition.

Regardez bien l’image ci-dessous et vérifiez bien les 3 points suivants:

  1. Bouton droit de la souris est assignable à un outil affiche trois outils dans les fenêtres de Logic
  2. A faire des réglages dans ce menu autant activer la zone de clic de l’outil fondu
  3. Vérifiez que partition défilante soit bien sélectionné à chaque fois que vous effectuerez un clic sur une région midi. L’éditeur partition défilante s’ouvrira automatiquement.
Séquence de réglage du mode Edition
Séquence de réglage du mode Edition

Le choix des outils correspond à votre flux de travail. Selon si vous composez ou enregistrez, la sélection des outils de la fenêtre d’arrangement ne sera pas la même, tout cela pour facilité votre travail.

Petites Astuces !

Pour les utilisateur du Trackpad il est possible d’activer la fonction Force Touch, encore une astuce pour gagner du temps.

  • Cliquez fortement sous un en-tête de piste ouvre le menu de création de piste.
  • Permet de créer des marqueurs à la position de la tête de lecture en cliquant fortement.
  • Toujours en cliquant fortement sur le nom d’une région permet de la renommer.
  • Et un des plus utile, dans l’éditeur partition défilante, si vous appuyez fortement sur une note elle s’efface.

Le raccourci T utilisé dans la fenêtre arrangement affiche la liste des outils utilisables par la souris. J’utilise souvent le raccourci G (Outil colle) afin de coller deux régions entre elles dans la fenêtre d’arrangement. Idem dans la fenêtre de partition défilante où j’utilise beaucoup le raccourci B (outil pinceau) pour écrire rapidement des patterns rythmiques. Je vous invite à consulter une vidéo détaillant l’outil pinceau

Les Raccourcis clavier

Il existe une multitude de raccourci clavier dans logic sachant que l’on peut définir ses propres raccourcis.

Les Basiques (sans vous reparler de lecture, stop et enregistrement):

  • X affiche la table de mixage
  • P affiche l’éditeur partition défilante
  • N affiche l’éditeur de partition
  • D affiche l’éditeur d’événement
  • Y affiche la bibliothèque
  • O affiche le navigateur de Boucles (Apple Loops)
  • G affiche la piste global
  • H affiche le mode piste masqué

Mes préférés dans la fenêtre d’arrangement:

  • ⇧ + barre espace démarre la lecture à la région sélectionnée
  • ⌘T coupe la région à la tête de lecture
  • ⌃< Rogne la ou les régions en dehors de la sélection ou des marqueurs
  • u enclenche le cycle sur la région sélectionnée
  • = inverse le cycle pour faire un saut, très utile pour vérifier l’efficacité d’un enchaînement entre deux parties.

Je ne peux pas tout lister dans cette article. Sachez que tout cela est configurable via la fenêtre ci-dessous en appuyant sur le raccourci ⌥K

Modifier raccourcis clavier

Les processus d’aide à la composition.

Structurez vos morceaux

Faites une structure du morceau. Utilisez les marqueurs pour structurer votre composition. Je ne vous apprends rien en vous disant que la musique est composé de couplets et de refrains. Là où cela devient intéressant c’est d’utiliser les marqueurs pour avoir des repères dans la composition. Combinez à certains raccourcis clavier, cela vous fera gagner beaucoup de temps.

Marqueurs Logic Pro X
Marqueurs comme aide à la structure

Outre le fait de vous donner des repères, avoir une structure permet aussi de travailler sur l’équilibre du morceau.

Si vous possédez un clavier étendu avec un pavé numérique, les chiffres de 1 à 9 vous permettront de positionner la tête de lecture au début du marqueur correspondant.

J’entends fréquemment dans les productions une intro qui dure 1 minute alors que le titre complet a une durée totale de 3 minutes.

Utiliser 1 tiers du temps total pour introduire le morceau, c’est trop long sauf si vous faites de l’Epic et que le titre est lié à un montage vidéo… Equilibrez chaque partie par rapport à la durée globale de la composition.

Tonalité de votre composition

Dans Logic Pro X on peut définir une tonalité pour la chanson que l’on souhaite composer, les avantages sont les suivants:

  • Visuellement savoir dans quel gamme est le projet
Gamme du Projet Logic
Gamme du Projet Logic
  • Accordage automatique des Apple Loops lors de la Pré écoute. Voir si la boucle matche avec la composition !
Accordage Apple Loops
Accordage Apple Loops
  • Bénéficiez du mode de quantification de la gamme dans l’éditeur partition défilante. Un avantage non négligeable pour toujours être juste dans votre composition. Réglez le sur une piste Midi et chaque nouvelle piste midi créée sera automatiquement configurée avec la même tonalité.
Logic Pro X quantification de la gamme
Quantification de la gamme

Les Modèles peuvent-ils m’aider ?

Bien sûr et moi même j’en suis fan ! Je vais vous citer plusieurs exemples:

  • Enregistrement d’un groupe pop rock.

Le plus simple sachant que les titres auront tous un section batterie, basse, clavier, guitare, chant est de créer un modèle ou est pré- réglée chaque piste avec les micros pré-ampli, les circuits casque etc…

  • Titre EDM, Deep House ou Trap…

Pourquoi ne pas se créer son propre modèle avec une structure des synthés, des effets pré chargés pour gagner du temps ? A vous de faire des variations de structure, de sons et de montage entre les différents titres…

  • Bloc note et sound design !

C’est une des façons de travailler avec les modèles qui me plait le plus. Poser une idée ne doit pas faire perdre du temps, autant avoir un modèle bloc-note prêt. Pour le sound design sculpter un son ça peut prendre du temps d’où l’idée d’avoir un modèle avec les outils adaptés. Encore plus intéressant si vous travaillez avec un modulaire, vous pourrez enregistrer en temps réel vos modifications et vous constituer de la matière sonore directement accessible via Logic Pro X.

Je vous recommande d’explorer les modèles déjà proposés par Logic Pro X et de concevoir vos propres modèles…

Pour créer votre modèle vous avez besoin d’un projet avec les plug-ins audio et midi, les synthés virtuels pré chargés pour enregistrer votre modèle allez dans le menu principal ➞ Fichier ➞ Enregistrer comme modèle.

Concernant la bibliothèque…

La bibliothèque propose par défaut une multitude de patch prêts à l’emploi aussi bien pour l’audio que pour l’exploitation de synthé virtuel.

Vous pouvez créer votre propre collection de patch. Comme ceux que je vous propose dans les banques EXS24.

Un patch est une chaine d’effets sur la tranche audio ou instrument virtuel. Au-delà de cet aspect, les réglages et effets utilisés sur des auxiliaires via les bus seront aussi sauvegardés… Intéressant n’est-ce pas ?

Liste patch utilisateur

Voilà un exemple en format réglages de tranche de console pour la collection de synthés que j’utilise en format Nks.

réglages de tranche de console
réglages de tranche de console

Une dernière astuce pour la route !

Dans Logic Pro x définissez des étiquettes pour les entrées sorties de sa carte son. Un gain de temps précieux…

Cela se passe dans le Mixer ➞ Options ➞ Étiquètes E/S

Comme dans le gestionnaire de plug-ins vous pouvez définir des noms personnalisés ou des abréviations à vos entrées et sorties qu’elles soient mono ou stéréo…

Comment intégrer que tout ce que je vous montre dans cet article vous fera gagner du temps ?

La rapidité pour enregistrer une idée, le gain de temps dans l’édition midi ou audio… car oui j’ai fait l’impasse sur beaucoup de choses qui nécessiteraient un second article.

Comment être efficace sur Logic Pro X ? Avec l’expérience et le temps ce qui prenait une semaine pour composer un titre ne vous en prendra plus que trois jours grâce à la lecture de cet article, peut-être moins. Certes je ne parle pas de l’inspiration, cela justifierait un article sur ce sujet…

Pourquoi acheter des banques de sons ?

Voilà une question que l’on m’a posée pendant le confinement suite à ma précédente newsletter.

Acheter des banques de sons, certes mais laquelle ou lesquelles ?

Les offres du marché…

Et votre fidèle serviteur de façon très modeste…

Si vous regardez bien la liste ci-dessus, il y des banques de sons et des synthétiseurs virtuels.

Explication de la notion de banques de sons.

On parle de banques de sons dès lors que la source sonore provient d’un enregistrement.

La dénomination de cette source sonore s’appelle un échantillon de sorte que la plupart du temps le format audio wave prédomine ou un format propriétaire afin d’éviter tout piratage.

Ces échantillons dans la plupart des cas nécessitent un lecteur d’échantillon ou échantillonneur selon certains fabricants.

Comprendre la différence entre lecteur d’échantillon et échantillonneur ?

Le lecteur d’échantillon lit tout simplement la banque fabriquée par le constructeur.

L’échantillonneur lit la banque fabriquée par le constructeur et néanmoins permet de créer ses propres banques de sons.

Un échantillonneur offre la possibilité d’enregistrer une source sonore. A l’ère du numérique cette notion disparait au profit des Stans qui offrent des fonctions d’édition extrêmement poussées.

Ce qui amène à une nouvelle génération où la frontière entre échantillonneur et lecteur n’existe plus. Bienvenue au 21ème siècle !

Akaï S950

Cela me rappelle bien des souvenirs lorsque j’enregistrais des échantillons dans mon S950 Akaï.

Fabriquer une banque à cette époque prenait beaucoup de temps…

Explication de la notion de synthétiseurs virtuels.

Le synthétiseur virtuel, à l’inverse du lecteur ou de l’échantillonneur, produit ces sons à l’aide de synthèse sonore et d’algorithmes informatiques ne nécessitant l’utilisation d’aucun échantillon. Mais alors…

Qu’est-ce que Omnisphere de Spectrasonics

Spectrasonics a très bien compris les enjeux de la musique assistée par ordinateur dans ces conditions, avec des ordinateurs de plus en plus puissants, qui permettent des modes de synthèse sonore de plus en plus poussés. Pourquoi ne pas créer un hybride entre Synthétiseur virtuel et échantillonneur ?

Atmosphere a été la première mouture pour aboutir à une version actuelle nommée Omnisphere redoutable de par sa simplicité et sa qualité sonore. Un incontournable dans mon processus de création musicale.

Pourquoi acheter des banques de sons ?

En fonction de votre style musical, vous serez amené à devoir utiliser des sonorités diverses et variées.

Le logiciel que vous utilisez imposera l’utilisation de banques qu’il ne vous fournit pas à l’achat.

La façon dont vous composez nécessitera certains types de banques.

Exemple :

Notez bien, pour celles et ceux qui composent à partir des boucles audio, qu’en raison de ce mode de création Native Instruments a racheté la plateforme LoopLoft et a créé Sounds.

L’objectif:

Vendre des boucles et des one shot aux utilisateurs de leurs stations telles que Maschine et Komplete Kontrol.

Il n’y a aucune règle, seulement des affinités entre votre personnalité, votre stan, et votre style musical.

Je vous invite à lire l’article que j’ai écrit sur Native Instruments KOMPLETE 12 ULTIMATE Édition Collector.

Dans beaucoup de tutoriels sur YouTube, on voit le formateur composer dans un logiciel en prenant les banques d’un autre outil ce qui concrètement se traduit par l’utilisation des échantillons de Maschine Expansion dans des tutos sur Ableton.

La raison, avoir des sonorités dans un style (Trap par exemple) directement dans le logiciel que vous maîtrisez sans perdre de temps sur le processus de création.

Pourquoi acheter alors qu’il existe des banques de sons gratuites ?

Oui, c’est une très bonne question ! A ce jour, pour moi, la meilleure banque de sons offerte par un constructeur est LABS de Spitifire Audio.

Les banques de sons gratuites sont un appel pour vous faire découvrir l’univers du fabricant et vous inciter à acheter les versions haut de gamme… Il en existe pléthore même chez les plus grands fabricants…

Peut-on composer avec des banques de sons gratuites ?

Bien sûr car c’est vous qui composez, pas la banque de son.

Attention à une chose, la qualité de la banque et votre capacité à vous l’approprier pour construire un tube.

Dans la newsletter du mois de mars, je parlais d’artistes qui utilisent des boucles Apple Loops pour composer un hit international.

Notez bien ceci: en général dans les banques de sons gratuites, il n’y a pas forcément ce que l’on recherche. De ce fait vous serez amené à acheter ou à fabriquer vos propres banques de sons.

Faut-il avoir des préoccupations avant l’achat d’une banque de sons ?

Oui, bien sûr: l’aspect financier, technique et d’exploitation. Par exemple j’utilise les banques de sons East West:

  • Banque en location ce qui nécessite un abonnement tous les mois. Cela peut être une préoccupation financière.
  • Qualité de la banque ? Franchement à ce niveau rien à dire…
  • Installation qui requiert une connexion internet fibre car c’est long à télécharger lors de la première installation.
  • Capacité de l’ordinateur à exploiter ce type de banque. Effectivement vous aurez besoin d’un ordinateur puissant.
  • Stockage de la banque. Pour information la Composer cloud s’installe sur un disque dur SSD de 2To.
  • Compétence du compositeur à utiliser ce type de banque…
  • Compatibilité avec votre logiciel. On n’y pense jamais car nous sommes en 2020 !

Je vous invite à regarder dans la page Studio la liste des banques de sons que j’utilise en dehors de celle que je me fabrique…

Mes conseils

Comme un peintre, vous aurez, selon le type de composition et le style, besoin de banque de sons.

Je vous donne quatre conseils avant un achat:

  1. La simplicité d’utilisation, la qualité et la compatibilité avec votre logiciel.
  2. L’achat ne doit pas mettre votre compte bancaire dans le rouge
  3. L’exploitation de la banque sur le long terme
  4. L’objectif de cet achat
    • Par plaisir, veillez à ne pas trop vous faire plaisir car le point n°2 pourrait en souffrir…
    • Pour découvrir, comprendre, apprendre et faire évoluer son processus de création
    • Produire un album, un single, ou décrocher un contrat pour gagner de l’argent

Ce sont les objectifs que j’utilise pour fabriquer mes banques de sons et les rendre accessibles financièrement tout en étant simples d’utilisation.

En conclusion

Cet article a pour vocation de vous aider dans vos décisions d’achat. Prochainement j’écrirai d’autres articles pour développer les banques des fabricants cités dans ce blog. Je vous souhaite de bons achats…

Découvrir la norme MIDI et son avenir

Peut être vous êtes de la génération qui utilise Ableton Live, Logic Pro X ou Maschine de Native Instruments ?

Vous connaissez la norme MIDI acronyme de Musical Instrument Digital Interface ?

Ce protocole de communication dédié à la musique permet à votre synthétiseur, clavier maître, boite à rythmes… De communiquer avec votre séquenceur préféré, pour vous permettre de composer votre musique.

Le MIDI né en 1983, évolue lentement mais surement.

A Midi un peu d’histoire !

l’intéropérabilité devient un enjeu important avec la démocratisation des synthétiseurs dans les années 1980.

Les musiciens sont limités à jouer seulement d’un ou deux synthétiseurs simultanément. Ce qui nécessite plusieurs musiciens pour jouer de plusieurs synthétiseurs.

Pouvoir commander plusieurs synthétiseurs à partir d’un seul clavier devenait une nécessité.

La norme Midi
voilà une photo, souvenir de mon enfance qui m’a bien influencé lorsque j’ai découvert l’univers de la musique électronique…
Le studio de Jean Michel Jarre dans les années 1970…

Dans ce contexte les concepteurs de synthétiseurs que sont Dave Smith, Ikutaro Kakehashi et Tom Oberheim se rencontrent au salon du NAMM en juin 1981 (oui le salon du NAMM existait déjà !).

De cette rencontre une réflexion sur la standardisation des communications entre synthétiseurs allait naitre…

3 ans après cette rencontre, la première démonstration a lieu au salon du NAMM de 1983 entre un Jupiter 6 de Roland et un Prophet 600 de Sequential Circuit par leurs deux représentants et fondateurs, Ikutaro Kakehashi et Dave Smith.

L’ordinateur ATARI ST sort en 1985 en raison de ses prises MIDI intégrées et de la qualité de ses séquenceurs, Il popularise la norme MIDI auprès des musiciens et du grand public.

Cela me rappel une époque ou j’utilisais mon ATARI Mega STE avec Notator d’Emagic l’ancêtre de Logic Pro X.

L’IMA acronyme de International Midi Association gère la norme MIDI, en revanche la MMA MIDI manufacturers Association gère la position des constructeurs.

A MIDI et quart concrètement

Le branchement physique est géré par des connecteur DIN de type 5 broches. Un câble midi à une longueur maximum de 15 mètres. La connexion de type série symétrique comme on peut le voir dans le schéma ci-dessous.

Din Midi
schéma de branchement officiel d’un cable MIDI

Pour celles et ceux qui connaissent le branchement d’un câble HIFI Din on remarque bien la différence de câblage.

Hifi Din
Hifi Din

Les broches 1 et 3 sont inutilisées, la broche 2 sert de masse et les broches 4 et 5 véhiculent une tension de 5 volts avec une intensité de 5 mA.

Les liaisons MIDI unidirectionnelle, nécessitent 2 connectiques. Une pour l’entrée nommée MIDI IN et une autre pour la sortie nommée MIDI OUT.

Liaison basique en MIDI
Liaison basique en MIDI ou le synthé 1 pilote le synthé 2
Liaison midi IN / OUT
Liaison midi IN / OUT

Certains appareils équipés de ces 2 prises en possèdent une troisième nommée MIDI THRU. Dans la pratique les synthés sont souvent branchés en cascade, formant un réseau de communication.

Pour réaliser ce genre de réseau il existe deux méthodes:

  • En cascade comme le montre le schema 1.
  • En parallèle via une interface MIDI comme expliqué dans le schéma 2.
Liaison midi en cascade
Schéma 1 liaison midi en cascade
Liaison Midi avec une interface
Schéma 2 Liaison Midi avec une interface

TRS et autres connectiques

la MMA standardise en août 2018 la connexion TRS. Les constructeurs utilisent des connecteurs de types Jack 2,5 mm.

L’objectif: profiter d’un encombrement moindre tout en fournissant des adaptateurs vers le DIN classique.

Diverses interfaces permettent d’échanger en MIDI a travers les connecteurs suivants :

  • Ethernet
  • Firewire
  • USB qui depuis les années 2000 se généralise sur les ordinateurs et les appareils dédiés à la MAO se voient munis d’un port USB type B au détriment des prises DIN.
  • Connexions logiciels comme JACK acronyme de Jack Audio Connection Kit
  • Bluetooth

Messages reçu à MIDI et demi

Point très important à comprendre avec la Norme MIDI !!!

Ce protocole ne transmet pas de signal audio. Il transmet uniquement des messages pour commander un appareil B à partir d’un appareil A.

La liste des messages possible:

  • Note on/off pour déclencher et arrêter chaque note. Chaque note à sa propre vélocité permettant d’indiquer la force de jeu la note.
  • Control change ce protocole permet de commander 128 paramètres de jeu comme le volume, le panoramique, les filtres…
    • chaque control change à une amplitude de réglage de 0 à 127.
  • Program change qui permet de sélectionner un patch (une sonorité) dans une banque de son du synthé.
    • Le standard MIDI ne spécifiant pas quel numéro de program change (de 0 à 127) correspond à quelle sonorité d’instrument.
    • Pour palier à ce manque en septembre 1991 la MMA à adopté la norme Général MIDI pour proposer une correspondance entre les program change et les sonorités des synthés.
      • La norme GM évoluera avec le GS de Roland et le XG de Yamaha format propriétaire de ces fabricants.
      • Officiellement lancé en 1999 la version 2 du Général MIDI voit le jour. Elle reste compatible avec la version 1
  • Le protocole permet de synchroniser le tempo des appareils, dit esclaves, à une horloge maître.

Je n’ai pas encore parlé du nombre de canaux MIDI utilisable sur les synthés physiques. la norme utilise 16 canaux.

Selon votre configuration lorsque vous travaillez avec des instruments virtuels, à mon avis vous n’avez que la limite de votre logiciel.

MIDI moins le quart limitations et alternatives

L’arrivé des séquenceurs informatiques, des instruments logiciels pilotés par des surfaces de contrôles dédiés a poussé le MIDI dans ces limites.

Il existe une norme spécifiquement développée pour piloter les orgues à tuyaux et les orgues numériques en tenant compte des spécificités de l’orgue (jeux multiples sur le même canal), c’est la norme POMI pour Pipe Organ Midi Interface.

Révolution MIDI POLYPHONIC EXPRESSION

Le MPE, qui au départ signifiait Multidimensional Polyphonic Expression est adopté par la MMA en février 2018 qui l’a rebaptisé MIDI Polyphonic Expression.

Présent sur des instruments et contrôleurs depuis plusieurs années maintenant comme les claviers de Roli.

Bon nombre de logiciels comme Reaktor, Kontakt, Cubase, l’UVI Falcon, ou encore Logic Pro X pour ne citer qu’eux supportent ce protocole MIDI particulier.

un exemple pour mieux comprendre…

Mon clavier Komplete Kontrol de Native instruments transmet toutes les notes sur le même canal MIDI.

Exemple: je joue un accord sur mon clavier et que je bouge la molette de pitch bend, toutes les notes jouées subissent l’action du pitch Bend.

D’ou le terme Polyphonic Expression

Le Protocole MPE utilise un canal spécifique à chaque note, l’utilisation d’un canal séparé pour chaque note, permettant de transmettre ces contrôleurs individuellement pour chaque note sans influencer les autres notes jouées.

Voici une vidéo avec les claviers Roli :

Roli Block en action

Réglages MPE dans Logic Pro X :

Ouvrez dans votre ordinateur l’application Roli Dashboard effectuez les réglages comme dans l’image ci-dessous.

Le Roli Dashboard
Le Roli Dashboard sur Mac

Les réglages MPE dans Logic ce trouvent dans chacun des instruments virtuels comme expliqué dans l’image ci-dessous.

Logic Pro X réglage MPE
Alchemy réglage MPE

Liste des instruments Logiciels de Logic Pro X compatible MPE :

  • Alchemy
  • EXS24
  • ES2
  • Sculpture
  • Retro Synth
  • Vintage Clavinet
  • EFM1

Pour en découvrir plus sur Logic Pro X n’hésitez pas à cliquer sur ce lien.

MIDI moins cinq l’heure de la conclusion.

Bien sur Roli n’est pas le seul constructeur à développer des claviers à la norme MPE.

on retrouve comme fabricant Haken avec le Continuum, Expressive E qui arrive bientôt avec le clavier Osmose fabriqué en partenariat avec Haken.

Pour l’instant la norme MPE fait figure de jeune dans l’univers de la MAO. Depuis son adoption par la MMA le développement va devenir interessant, a surveiller de prêt, même si pour l’instant les prix des claviers MPE reste élevés.

Certain constructeur font des effort dans ce sens, Roli par exemple avec les Blocks rends le MPE financièrement plus accessible.

Peut être je vous en dirait plus dans un prochain article, restez à l’écoute…

Approfondir le Channel EQ de Logic Pro X

Suite et fin de l’article pour approfondir le Channel EQ de Logic Pro X

Avant de lire cet article je vous recommande de lire l’article intitulé Comprendre le channe EQ de logic Pro X publié au mois d’Octobre 2019.

Revision

Nombre d’entre vous on trouvé ce premier article intéressant par les informations qu’il permet de découvrir ou redécouvrir

  • L’article aborde les types d’EQ, détaille les 8 types de bandes et leurs filtres.
  • Pleins d’astuces d’utilisation pour lesquelles j’ai reçu des mails de remerciement.

Donc, passons maintenant à l’approfondissement de cet EQ inclus dans Logic Pro X.

Analyse Audio

Oui j’en reparle dans cet article malgré la petite astuce publié dans le premier. Disons qu’ici je détaille la partie Analyzer.

Approfondir le Channel EQ
Le Mode Analyzer

Comment ça fonctionne ?

La fonction Analyzer fonctionne selon le processus appelé Transformée de Fourier rapide (FFT). Le but, obtenir une courbe en temps réel pour toutes les fréquences du signal entrant. La courbe de l’analyse réalisé se superpose aux courbes d’égalisation si on en à définies. La courbe Analyzer utilise la même échelle que les courbes EQ, ce qui permet de mieux reconnaître les fréquences importantes du signal audio entrant. Cela facilite également la définition des courbes de l’EQ pour augmenter ou baisser les niveaux de fréquence et les plages de fréquences.

Les bandes dérivées de l’analyse FFT sont mises à l’échelle selon un procédé logarithmique : les bandes sont plus nombreuses dans les octaves hautes que dans les basses. Dès l’activation de l’Analyzer, 2 courbes de couleurs différentes apparaissent selon si vous êtes en mono ou Stéréo.

Analyse Gauche et Droite
Analyse Gauche et Droite

Vous pouvez modifier l’échelle en changeant la plage dynamique par défaut comme indiqué dans l’image ci-dessous. Faites glisser verticalement le pointeur sur l’échelle comme dans l’image ci-dessous pour définir le positionnement de la courbes de l’analyzer dans la fenêtre du channel EQ. La variation est de +20 à -100 dB.

Echelle de l'analyzer
Echelle de l’analyzer

Concernant la courbe global de l’égaliseur il est possible de la modifié en faisant glissé le pointeur verticalement sur l’échelle comme indiqué dans l’image ci dessous.

Échelle de la courbe globale
Échelle de la courbe globale

Sans oublier comme le montre l’image ci-dessous le curseur de gain qui augmente ou diminue le niveau de sortie après égalisation.

Curseur de gain de sortie
Curseur de gain de sortie

Personnellement il me manque un curseur que j’apprécie beaucoup dans le match EQ. Le curseur Apply qui permet d’inverser la courbe en négatif ou de l’augmenter en positif. Je vous en reparlerai dans un prochain article.

Analyzer Pre ou Post ?

Le bouton Analyzer a deux zone sur lequel on peut interagir.

  • l’icône en elle même pour activer ou désactiver l’analyseur.
  • Le bouton Pre / Post qui affiche la courbe de fréquence avant ou après application de l’égalisation.
Analyzer (Pre / Post )
Analyzer (Pre / Post )

Perso je préconise de travailler en Pre le plus souvent. Je vous recommande d’écouter le résultat de votre travail d’égalisation que de le visualiser…

Paramètres étendus du module Analyzer

Cliquez sur le triangle d’affichage situé en bas à gauche pour accéder aux paramètres étendus.

Paramètres étendus
Affichage des paramètres étendus

Occupons nous de la partie Analyzer pour le moment. Comme on le voit dans l’image ci dessous, il y a trois fonctions avancés de l’Analyzer :

Les 3 fonctions avancés de L'Analyzer
Les 3 fonctions avancés de L’Analyzer
  • Resolution permet de choisir entre 3 valeurs la résolution d’échantillon pour l’analyseur :
    • Basse résolution 2048 points.
    • résolution moyenne 4096 points.
    • haute résolution 8192 points.
  • Mode ou l’on coche au choix Peak ou RMS comprenez que l’analyse se fera sur les crêtes ou la moyenne de la forme d’onde interne.
  • Decay en dB par seconde permet de determiner la vitesse de déclin de la courbe de l’analyzer. Ce mode decay agit selon le mode sélectionné :
    • déclin des crêtes en mode Peak
    • déclin de la moyenne en mode RMS.

L’analyzer est une fonction du Channel EQ très pratique, certes il ne fait pas le travaille à votre place mais guide votre analyse auditive dans le traitement de votre piste. Cependant faite attention à ne pas égaliser vos pistes de manière visuelle.

Le trio Gain – Q – Couple

Les autres paramètres étendus
Les autres paramètres étendus

C’est la seconde partie des paramètres étendus. Le menu local Gain-Q Couple Mode permet de sélectionner le degré de couplage Gain-Q c’est à dire :

  • Light permet d’effectuer certaines modifications en douceur lorsque vous augmentez ou diminuez le gain
  • medium : effectue des modifications proportionnels.
  • Strong : conserve la majeure partie de la bande passante perçue.
  • Asymmetric : ces réglages entraînent un couplage plus fort pour les valeurs de gain négatives que pour les valeurs positives. Par conséquent la bande passante perçue est mieux préservée lorsque vous réduisez le gain plutôt que lorsque vous l’amplifiez.
    • On retrouve en mode Asymmetric les valeurs Light – Medium et Strong
  • Proportional : met la bande passante à l’échelle au fur et à mesure que vous modifiez le gain. La fonction proportionnelle élargit la bande passante du filtre aux niveaux inférieurs d’amplification/coupure et la rétrécit aux réglages supérieurs.
Mode Gain-Q Couple
Mode Gain-Q Couple

Oversampling

Le bouton Oversampling impact de façon plus importante votre CPU, mais apporte une meilleure gestion des hautes fréquences supplémentaires créées par le processus d’égalisation.

Je n’ai pas de conseil ou d’astuce à vous donner pour cette fonction, simplement à l’oreille, je trouve que certaines fréquences au-dessus de 8 kHz sont mieux définies sans être agressives

Processing Simple

La fonction Processing du Channel EQ
La fonction Processing du Channel EQ

Processing : ce menu déroulant comprend des commandes permettant de traiter soit les deux parties d’un signal stéréo (par défaut), soit uniquement la partie gauche (Left Only), la partie droite (Right Only), la partie du milieu (Mid Only) ou la partie latérale (Side Only).

A quoi ça sert ?

Très bonne question, partons du principe que vous avez enregistrer une guitare en direct en passant par votre carte son. Le signal est mono jusque là tout va bien. Mais si on utilise une boucle issue des collections Apple Loops ou d’autre constructeur, et plus simplement l’enregistrement audio stéréo de votre synthé Yamaha Montage favori (A titre d’exemple).

Et bien là on se retrouve confronté à de multiple possibilité de traitement du son par le fabricant des boucles ou le constructeur du synthé. Ce qui dans pas mal de cas ne correspond peut être pas a votre traitement sonore ce qui nécessite d’intégrer cette source sonore à votre composition, en un mot pour faire simple de la mixer selon vos besoins !

C’est possible ?

Partant du principe d’un fichier stéréo, certaines sonorité et fréquence qui en découles en général les graves, sont placés au centre alors que les autres sonorités sont répartie dans la largeur stéréo. je me base sur l’exemple d’une boucle de batterie. Cela fonctionne aussi sur les synthés dont beaucoup de constructeur use d’effets pour modeler et embellir les sonorités.

De ce constat le mode Processing vous permet de faire un travaille d’égalisation sur le canal de gauche de votre boucle audio ou de droite. Comme le fichier est stéréo on considère que le son a aussi la possibilité d’être traité comme dans le cadre d’un enregistrement Mid/Side… (promis je parlerai du Mid/Side dans un prochain article)

Ce qui permet de faire un traitement sur les fréquences du milieu ou des bords. Comprenez que cela apporte beaucoup à votre mix et pas que le mix. Pour info je me sert beaucoup de ce procédé dans le travaille de composition et cela aussi bien dans le son a l’image que dans la musique Electro…

Sincèrement passez du temps à expérimenter !!! vos oreilles vont redécouvrir certaine fréquences certains son ou même vous allez vite comprendre comment éviter ce coté boueux dans vos titres…

Mais alors double EQ ?

Oui et non car cela dépend de ce que vous souhaitez faire. Si vous voulez traité le signal de droite différemment du signal de gauche ou traiter le Mid dans le grave et le side dans l’aigüe effectivement il vous faudra 2 Channel EQ par piste.

Effectivement j’ai dit oui et non ce qui sous entends qu’avec un seul Channel EQ on peut traiter La gauche et la droite ou le mid et le Side !

Incroyable mais vrai !

Lorsque vous sélectionnez votre Channel EQ dans logic choisissez Mono Dual comme l’indique l’image ci-dessous.

Channel EQ Mono dual
Channel EQ Mono dual

Regardez maintenant votre Channel EQ de plus prêt. on distingue au le milieu supérieur du plug-in de nouvelles icônes.

Mid/Side
Mid/Side
  • Settings (la petite roue cranté) pour le réglage du mode Mono dual ou L & R
  • Mid réglage de l’égalisation en mode Mid ou L
  • Side réglage de l’égalisation en mode Side ou R
  • Couple Mid/Side ou L & R détermine l’influence de l’un sur l’autre à expérimenter car c’est très intéressant.

La roue cranté pour faire avancer les choses

Réglages possibles
Réglages possibles

Comme on peut le voir dans l’image ci-dessus, nous avons 2 types de choix possible : Stéréo et Mid/Side. Ce qui est interessant c’est que l’on peut muter un des deux canaux. Afin de pouvoir se concentrer sur le travaille d’égalisation a faire sur l’autre. Pour muter le canal désiré il suffit de cliquer sur l’icône haut parleur que l’on souhaite désactiver. Comme on peut le voir, un point s’affiche sur le canal pour informé qu’il est désactivé.

Petite astuce ! Si on clique sur un des boutons L/R ou Mid/Side on fait apparaitre la fenêtre d’égalisation du mode sur lequel on à cliqué.

A titre d’info ce mode de visualisation ne vous rappel rien ?

Le mode Surround

Et oui le mode Surround ou l’on retrouve la position des hauts parleurs selon le mode choisi.

Pour activer le mode Surround il faut modifier quelques réglages sans le menu Logic Pro X – Préférences – Outils avancés… Si cela n’est pas déjà fait, je vous recommande de cocher la case ” Afficher les outils avancés”. Franchement ne vous posez pas de question cochez tout y compris Surround !

Ensuite sur votre tranche de console il est important de choisir le mode Surround comme le montre l’image ci-dessous. La sélection se fait en entrée et en sortie.

Sélection du mode Surround en entrée et en sortie
Sélection du mode Surround en entrée et en sortie

Channel EQ Surround !!!

Et oui le travaille en Surround est possible avec le Channel EQ. on retrouve les réglages comme dans le mode Mono dual adapté a la configuration d’un système Surround.

Surround Channel EQ
Surround Channel EQ

Avec bien sûr comme en mode Mono dual la petite roue cranté pour les réglages du Channel EQ…

Réglage Surround Channel EQ
Réglage Surround Channel EQ

Il y a beaucoup à dire dans le mode Surround certainement dans un prochain article car beaucoup de plug-ins de Logic sont Surround y compris les synthés virtuels.

La fin ?

Effectivement j’ai terminé l’exploration du Channel EQ de Logic Pro X. A moins d’une future mise a jour de Logic qui augmenterait les possibilités de ce sympathique EQ. Comment ? Le champ des possibles reste ouvert aux équipes de développement de la firme de Cupertino…

Petite astuce de la fin : Si vous réalisez une égalisation dans le Channel EQ et que vous changez le plug-in avec le Linear Phase EQ de Logic vos réglages seront copiés dans le nouveau plug-in.

Exploitez Simpler d’Ableton Live 10

Pour celles est ceux qui ne connaissent pas Simpler d’Ableton Live 10, découvrons ensemble un instrument virtuel qui intègre les éléments de base d’un échantillonneur avec des réglages de paramètres classiques de synthétiseur.

Simpler concrètement

Simpler comprend certaines fonctionnalités des clips de live comme le Warp. La lecture de clip audio en mode Warp dans Simpler interprète automatiquement la boucle au tempo de votre composition. Peu importe la note que vous jouez au clavier ou avec push2, intéressant…

Découvrons l’interface.

Simpler à une interface simple si on peut dire ! Elle se compose de deux parties:

  • L’onglet Sample qui gère les échantillons
  • L’onglet Controls qui gère les commandes

Petites astuces en cliquant sur le bouton comme dans l’image ci-dessous, vous obtiendrez une vue dissociée ou les paramètres de l’onglet Controls occupent tout l’espace dans la fenêtre périphérique.

La vue détachée de Simpler
La vue détachée de Simpler

Couteau suisse dans Ableton.

On y dépose des échantillons one shot ou des boucles audio.

  • Utilisable pour jouer un échantillon de basse ou de synthé sur toute la tessiture du clavier.
  • Exploité par défaut avec le Drum Rack pour lire les échantillons de batterie. Un Simpler par Pad ou
  • Travailler le layering dans le Drum Rack avec un instrument rack sur un pad de batterie pour empiler plusieurs échantillons de claps ou de kick par exemple. Rappelez-vous l’article sur le Drum Rack
  • insérer plusieurs Simpler dans un instrument rack pour faire des layers de sonorités tels que des atmosphères ou des synthés.
  • Faire du découpage (du slicing) pour se réapproprier le jeu d’une boucle audio.

Ce qui m’oblige a parlé des modes de lectures.

Quelle Lecture d’échantillon voulez-vous ?

Dans Simpler, le sélecteur de mode selon l’affichage permet de choisir un des trois modes de lecture d’un échantillon. Pour information on retrouve la gestion de ces modes via le Push2. Comme indiquer dans l’image ci-dessous.

Les 3 Modes de lecture de Simpler
Les 3 Modes de lecture de Simpler

Alors Classic, 1-shot ou Slice ?

– Le mode Classic

  • Mode par défaut lors de l’utilisation de Simpler :
  • Optimisé pour la création d’instruments mélodiques et harmoniques.
  • Polyphonique.
  • Dispose d’une enveloppe ADSR complète et autorise le bouclage qui permet aux échantillons de jouer une note tenue.

– Mode 1-Shot

  • Exclusivement dédié à la lecture monophonique.
  • Optimisé pour les frappes de batterie non bouclées. Cependant, ce mode a des commandes d’enveloppe simplifiées et ne permet pas le bouclage. Attention le réglage par défaut en mode trigger, déclenche une lecture de l’ensemble de l’échantillon lorsque l’on joue une note, quel que soit le temps de maintien de la note. 

– Le mode Slice

  • Découpe automatiquement l’échantillon de façon non destructive.
  • Les tranches obtenues sont lues chromatiquement.
  • Vous pouvez créer les tranches parmi les options suivantes : 
    • Transient: à la détection des transitoires d’attaques
    • Beat: selon la grille de temps du mode Warp
    • Region: de 2 à 64 tranches sur l’ensemble de l’échantillon ou une portion
    • Manual: créer et déplacer manuellement les tranches.
Le menu Slice by
Le menu Slice by

J’avoue être fan de ce mode que j’utilise régulièrement pour me réapproprier des sonorités issue de boucle et les réinterpréter à ma convenance.

Revenons au classic

Pour vous permettre de mieux comprendre le mode Classic, détaillons ce que nous voyons dans l’onglet Sample.

Réglages du mode Classic
Réglages du mode Classic
  • Gain: détermine le niveau de lecture de l’échantillon. Il est différent du potentiomètre volume qui détermine le niveau de sortie de Simpler.
  • Start: Point de départ de la lecture de l’échantillon en pourcentage, car il est déterminé par le marqueur de départ
  • Loop: définis la longueur en pourcentage lu en boucle à l’intérieur de l’échantillon. Ce mode ne fonctionne que si le bouton loop est activé.
  • Length: longueur en pourcentage de la lecture de l’échantillon comprise entre le marqueur de début et de fin.
  • Fade: Fondu entre la fin et le début de la boucle pour atténuer les clics numériques. Perso c’est très utile lors de la fabrication de sonorité comme des pads ou des textures.
  • Les boutons Loop et Snap: Loop active la lecture en boucle à l’intérieur de l’échantillon et Snap force les marqueurs de boucle et de région de Simpler à se positionner sur des points d’amplitude zéro.
  • Voices: fixe le nombre maximum de voies que Simpler peut jouer pour cet échantillon.
  • Retrig: la note tenue sera coupée si la même note est de nouveau jouée. Ne fonctionne qu’avec de longs échantillons et si le réglage Voices est supérieur à 1.
  • WARP: j’approfondirai le mode WARP dans un prochain article sachez qu’il est identique à celui des clips audio et fonctionne pour les trois modes.

Quelques informations sur le mode 1-Shot

Le Mode 1-Shot
Le Mode 1-Shot
  • Les marqueurs (triangles) à gauche et à droite définissent la région lisible, idem au mode Classic, sans la commande de lecture en boucle (Loop) ni de longueur (Length). Le mode 1-Shot est strictement monophonique.
  • Gain idem au mode Classic
  • Trigger activé, l’échantillon continue de jouer même après relâchement de la note.
  • Gate arrête la lecture de l’échantillon au relâchement de la note c’est l’inverse du mode Trigger
  • Snap fonctionne comme avec le mode Classic en affectant que les marqueurs de début et de fin.

C’est un mode très utile pour de la percussion ou des échantillons de batterie

Le mode Slice pour révéler votre talent

Le Mode Slice
Le Mode Slice

Le mode Slice (Tranche) est un de mes modes préférés.

  • Gain est idem au mode Classic
  • Trigger activé, l’échantillon continue de jouer jusqu’au prochain slice.
  • Gate arrête la lecture de l’échantillon au relâchement de la note dans le slice
  • Sliced by, détermine le mode de découpage en tranche de l’échantillon.
    • Transient, les transitoires d’attaque du son détermine le mode de découpage
      • Sensitivity paramètre la sensibilité du niveau des transitoires limité à 64 tranches maximum.
    • Beat utilise des divisions rythmiques pour déterminer le mode de découpage
      • Division permet de choisir la division rythmique pour le découpage de l’échantillon
    • Region place à intervalle de temps régulier le mode de découpage.
      • Regions détermine la création du nombre de tranches de longueur identique
    • Manual ce réglage permet de positionner manuellement le découpage de l’échantillon.
  • Playback détermine le nombre de tranches pouvant être déclenchées simultanément.
    • Mono pour monophonique ; une seule tranche peut être jouée à la fois.
    • Poly, plusieurs tranches lisibles en même temps. Les commandes Voices et Retrig fonctionnent comme en mode de lecture Classic.
    • Thru la lecture est monophonique, mais le déclenchement d’une tranche entraîne la lecture du reste de la région de l’échantillon

Petite astuce !!!

En mode Transient, utilisez le raccourci [CMD](Mac) en cliquant sur une tranche permet d’alterner entre découpage manuel et découpage automatique. Les tranches créées manuellement en mode Transients sont préservées, quel que soit le réglage de Sensitivity.

Un peu de Warp

Le mode Warp dans Simpler fonctionne comme pour les clips audio, comme je le dis dans un peu plus haut dans cet article, cela permet de travailler avec des échantillons qui au lieu d’avoir leur propre rythme et d’être joué à des hauteurs différentes à cause de la vitesse de lecture, sont lisible à la vitesse du tempo d’Ableton. C’est très pratique pour les rythmes de batterie de rapidement les synchroniser à des tonalités de jeux différentes de la version originale. Je reviendrai dans un prochain article sur le mode Warp. Car c’est un outil de live très puissant.

Outre l’exploitation avec des boucles de batterie, cela s’avère extrêmement puissant avec des boucles de guitares et franchement je suis un grand fan.

Flirtons avec le Filtre

Les Filtres de Simpler
A gauche le filtre en mode Clean et a droite en mode OSR

La partie Filtre (Filter) de Simpler offre divers types de filtres:

  • Clean est un modèle de haute qualité, économe en ressources de processeur, identique aux filtres utilisés dans l’EQ Eight.
  • OSR est du type à variable d’état avec résonance limitée par une diode d’écrêtage unique. Modélisée d’après les filtres utilisés dans un synthé mono britannique assez rare dixit Ableton.
  • MS2 utilise une conception Sallen-Key et un écrêtage doux pour limiter la résonance. Ableton informe que la modélisation provient des filtres utilisés dans un célèbre synthé mono semi-modulaire japonais.
  • PRD utilise une conception en échelle et n’a aucune limitation nette de résonance. Modélisé d’après les filtres utilisés dans un ancien synthé mono à double oscillateur originaire des États-Unis selon Ableton
  • SMP est un modèle personnalisé non inspiré d’un matériel particulier. Il reprend des caractéristiques des circuits MS2 et PRD

Comme pour les synthétiseurs les paramètres de filtre les plus importants sont:

  • Frequency la fréquence ou Cutoff pour les aficionados, détermine où le filtre s’applique dans le spectre harmonique.
  • Res pour la résonance, qui accentue les fréquences près de ce point.

Lorsque l’on utilise un filtre autre que le filtre Clean, un potentiomètre supplémentaire intitulé drive apparait pour ajouter de la distorsion en amont du filtre.

Lorsque l’on parle de filtre bien évidemment on parle de passe haut, de passe bas, de passe-bande de coupe-bande. Dans Simpler il existe un filtre spécial appeler Morph que l’on retrouve lorsque l’on sélectionne Clean ou OSR. le potentiomètre Morph fait continuellement évoluer le type de filtre selon une boucle passe-bas vers passe-bande vers passe-haut vers coupe-bande pour re- venir au passe-bas. Je vous recommande d’expérimenter ce filtre.

Filtre Morph
Ici Morph via le filtre OSR

Oldies but goodies

Ouvrez un Set qui a été créé dans une version de Live antérieure à la version 9.5, tout Simpler présent dans le Set s’ouvrira avec les anciens filtres à la place des filtres évoqués ci-dessus. Ce sont des filtres standard de 12 dB ou 24 dB, qui ne disposent pas de commande Drive. Chaque Simpler chargé avec les anciens filtres affiche un bouton mise à niveau dans sa barre de titre. Ayant tous mes sets mis à jour pour Ableton Live 10 je n’ai pas retrouvé dans mes disques durs d’anciennes versions pour vous le montrer.

Enveloppes

Dans Simpler on distingue 3 enveloppes ADSR Standard.

Les  3 Enveloppes que propose Simpler
Enveloppes de Filtre, d’Amplitude et de Pitch

Chacune avec ces propres réglages comme dans l’image ci-dessus. L’influence des enveloppes sur la fréquence de coupure du filtre et sur la hauteur se règle via le paramètre Amount. Pour l’enveloppe d’amplitude, on trouve dans le réglage mode en haut à côté de Time la liste des réglages suivant:

  • Loop: Lorsqu’une note reste tenue à la fin de la phase de déclin, l’enveloppe redémarre à partir de sa valeur initiale.
  • Beat permet à une note qui reste tenue au-delà du réglage du curseur Rate, de redémarrer à partir de sa valeur initiale.
  • Sync Idem au mode Beat
  • Trigger idem au mode Loop

Time définit le temps nécessaire pour passer du niveau de maintien à la valeur initiale.

LFO histoire d’oscillateur basse fréquence

La fenêtre LFO
La fenêtre LFO

Le LFO offre des formes d’onde sinusoïdale, carrée, triangulaire, en dents de scie descendantes, en dents de scie montantes et aléatoires. Il oscille librement à des fréquences comprises entre 0,01 et 30 Hz, ou se synchronise sur des divisions du tempo du Set. Dans Simpler, les LFO s’appliquent individuellement à chaque voix, ou note jouée ce qui est particulièrement intéressant.

  • La commande Attack en milliseconde détermine le temps nécessaire au LFO pour atteindre l’intensité maximale .
  • Le bouton R commute le redéclenchement. Activée, la phase du LFO se réinitialise sur la valeur de décalage appelé ici Offset à chaque nouvelle note. Notez bien qu’Offset n’a aucun effet lorsque le redéclenchement est désactivé.
  • Key asservit la vitesse du LFO à la hauteur des notes reçues via le clavier midi.
    • Un réglage élevé de Key affecte une vitesse de LFO plus élevée aux notes plus aiguës.
    • Si Key est réglé sur zéro, les LFO de toutes les voix ont la même vitesse et peuvent juste être déphasés.
  • Les curseurs Vol, Pitch, Pan et Filter déterminent respectivement l’ampleur de la modulation du volume, de la hauteur, du panoramique et du filtre par le LFO.

C’est très intéressant de se passer du temps sur les enveloppes et le LFO. Croyez-en mon expérience.

Paramètres globaux

Réglages Globaux
Réglages Globaux

Pour information Simpler joue l’échantillon à sa valeur d’origine sur la note de Do 3e Octave. Délicat lorsque l’on importe un échantillon dans une autre tonalité que Do 3. heureusement dans cette section de Simpler le paramètre transpose vous autorise sur une plage de +/- 48 demi-tons pour accorder correctement votre échantillon.

C’est dommage que l’on ne retrouve pas le même mode de fonctionnement que dans Sampler ou l’on peut dans le mode Root Key saisir directement la note de l’échantillon.

Un petit mot sur le mode Glide. Ce mode de glissement permet de passer d’une note jouée à la nouvelle note jouée. Glide existe en deux versions Glide qui fonctionne de façon monophonique et Portamento qui fonctionne polyphoniquement

Spread permet d’élargir un échantillon mono à expérimenter avec discernement.

Pan ou panoramique en réglage standard. Il peut être modulé par le LFO.

Ran>Pan affecte un facteur aléatoire au panoramique.

En conclusion

Pour moi Simpler est un vrai couteau suisse dans Ableton Live 10 son évolution au fil des versions le rend indispensable et permet d’avoir une approche simpliste bien différente d’échantillonneur extrêmement complexe. C’est un pur bonheur de fabriquer ses propres banques dans Simpler sachant que l’on à accès si l’on fait un clic droit sur la barre de titre de Simpler à un menu déroulant pour convertir en Drum Rack ou pour Sampler. Certes certain me diront que l’on perd le mode Slice néanmoins cela reste intéressant.

Choisir la résolution dans Logic Pro X

J’ai reçu un courriel me demandant comment choisir la résolution dans Logic Pro X.

Résolution 16 ou 24 bits ?

Avant d’enregistrer dans Logic votre guitare ou votre voix, vous pouvez choisir dans le menu Préférence, Enregistrement ce qu’on appelle la résolution d’enregistrement. J’ai déjà parlé dans un précédent article des formats d’enregistrement audio de Logic.

Choisir la résolution dans Logic Pro X

La plupart des cartes son proposent des résolutions de 16 ou 24 bits et des fréquences d’échantillonnage allant jusqu’à 192 kHz. Ci- dessous la résolution en jaune de ma carte Universal Audio Apollo 16.

Si votre carte son ne propose que 16 bits / 44,1 kHz. Par exemple, vous ne pourrez pas choisir une autre résolution dans votre séquenceur. Car c’est Logic Pro X qui va déterminer la résolution de votre carte son !

Pourquoi enregistrer avec une résolution de 24 bits ?

On sait qu’un CD est au format 16 bits / 44,1 kHz. Alors pourquoi choisir d’enregistrer avec une résolution de 24 bits ?

Simplement parce que cela vous offre une plus grande plage de dynamique. Grâce à cette plus grande plage de dynamique, cela vous autorise à enregistrer moins proche du 0 dB. Le 0 dB étant une valeur à ne pas dépasser en numérique sous peine de saturation non musicale.

Pour mieux comprendre…

Le rapport signal bruit est un indicateur de la qualité de la transmission d’une information. C’est le rapport des puissances entre:

  • le signal d’amplitude maximale pour laquelle la distorsion à la sortie reste inférieure à une valeur limite.
  • le bruit de fond, information non significative correspondant en général au signal présent à la sortie du dispositif. En l’absence d’un signal à l’entrée.

Il s’exprime généralement en décibels (dB).

Considérons que 1 bit correspond à environ 6 dB, je dis bien environ ! Donc en faisant le calcul, 16 bits permettent une dynamique de 16 x 6 = 96 dB environ. Car dans la réalité on est plus prêt de 98 dB.

Donc 24 bits permettent 24 x 6 = 144 dB de dynamique. Avec le 24 bits, vous gagnez 44dB de marge. C’est donc un confort non négligeable ! Puisque vous n’avez plus à chercher à approcher absolument le 0 dB pour obtenir une meilleure qualité.

Vous pouvez ainsi gagner en dynamique. Ce qui n’empêche pas d’utiliser une tranche de console. Pour la couleur de son préampli, son égalisation pour affiner des fréquences à l’enregistrement. Ou son compresseur pour réduire les crêtes de 2/3 dB.

Astuces:

EQ et compression doivent être appliquées légèrement, mais elles ne sont pas indispensables ! C’est un des aspects pratiques des cartes son Apollo. Appliquer dans le mixer un traitement EQ + Compression (perso j’utilise beaucoup le Cambridge EQ et les compresseurs LA2A ou 1176LN). Grâce à l’option UAD Rec pour enregistrer le traitement dans le fichier audio de Logic. Et / ou UAD Mon uniquement pour le monitoring et le confort de l’artiste… Chaine de traitement bien évidemment re-utilisable dans Logic à la lecture si elle n’a pas été appliquée à l’enregistrement… Pardon je m’éloigne du sujet…

Pourquoi certains logiciels ont des résolutions en 32 bits ?

La résolution de votre carte son ne dépassera pas 24 bits. Il n’existe pas de carte son qui ont une résolution en 32 bits. Donc vos enregistrements 24 bits seront codés dans un format 32 bits à virgule flottante par certains logiciels. Cela ne changera pas la qualité des enregistrements initiaux eux-mêmes. Mais créera des fichiers audio dans ce format avant qu’elles ne soient traitées par des plug-ins.

Mon Mac travaille en 64 bits !

La résolution de calcul du processeur de votre ordinateur est probablement en 64 bits. Cela n’a aucune influence sur la résolution du fichier audio enregistré en 24 bits. Cela vous apporte, un plus grand nombre de traitements avec vos plug-ins et une vitesse accrus de votre ordinateur…

Et la fréquence d’échantillonnage ?

La fréquence d’échantillonnage est ce qui correspond au nombre d’échantillons enregistrés par seconde :

  • 44,1 kHz = à 44100 échantillons par seconde
  • 48 kHz = à 48000 échantillons par seconde

le débat est plus ouvert. Une fréquence de 44,1 kHz suffit en théorie pour récupérer tout le spectre audible par l’oreille humaine. Maintenant, certains perçoivent d’autres choses lors d’enregistrements en 96 voir en 192 kHz. Seule votre oreille est juge personnellement je travaille en 24 bits 44,1kHz. Simplement plus les fichiers sont élevés en termes de fréquence d’échantillonnage plus ils prennent de place sur le disque dur. Cela nécessite plus de ressource processeur pour leurs traitements à travers vos chaines de plug-ins. Je préfère économiser de la place sur mon disque dur en restant à 44,1 kHz. Sachant que bien souvent je livre un fichier wav et mp3…

Pour votre info, j’ai effectué une fois dans ma carrière un enregistrement en 96 kHz. Pour l’album OPUS 1 de Marcus de SYLVANIA. Un album de guitare classique ou la requête de mon client était de me rapprocher de la qualité des enregistrements d’Alexandre LAGOYA. J’avoue en avoir vécu une très belle expérience…

Voilà dans Logic ou effectuer le réglage de la fréquence d’échantillonnage.

Test en aveugle

Faites un test en aveugle avec un fichier enregistré en 44,1, 48 et 96 KHz. Demandez à un ami de vous faire ce test ! Sans avoir connaissance des fréquences pour éviter de vous laisser influencer. Peut être que la différence sera inexistante à vos oreilles.

Carte son et carte son !

Choisir la résolution dans Logic Pro X nécessite de la qualité ! Les convertisseurs joue sur la qualité de la retranscription du signal analogique en numérique. 2 cartes son de marque différente travaillant en 24 bits/96 kHz ne donneront pas forcément le même rendu. Cela dépend de la qualité des convertisseurs.

Changer de résolution ?

Si on est en 16 bits et qu’on veut passer en 24 bits. Logic va rajouter 8 bits sous la forme de zéro, cela ne change rien à la qualité sonore du fichier. Si enregistre en 24 bits 44,1kHz pour réaliser un CD audio. On est obligé de descendre la résolution 24 bits à celle de 16 bits. Il faut passer par un algorithme de dithering. L’algorithme est indépendant de la qualité de la carte son, il est différent suivant les séquenceurs. Dans Logic Pro X, nous avons accès comme le montre l’image ci-dessous à différent algorithme de dithering.

  • POWr pour Psychoacoustically Optimized Wordlength Reduction
  • POW-r #1 Dithering: utilise une courbe de dithering spéciale pour minimiser le bruit induit par la quantification.
  • POW-r #1 Noise Shaping: utilise un procédé supplémentaire de façonnement du son sur une large plage de fréquences. Ce qui permet d’étendre la plage dynamique du fichier de 5 à 10 dB.
  • POW-r #1 Noise Shaping: utilise un procédé supplémentaire et optimisé de façonnement du son permettant d’étendre la plage dynamique de 20 dB au sein d’une plage allant de 2 à 4 kHz (Plage à laquelle l’oreille humaine est la plus sensible).
  • UV22HR : ajoute une concentration d’énergie inaudible, générée de manière algorithmique, autour de 22 kHz. Techniquement, il est connu sous le nom de “Sub-Nyquist-band dither”. C’est un dithering propriétaire à la marque Apogee.

Dans l’image ci-dessus, UV22HR apparait grisé parce que je n’ai pas de carte Apogee.

Maintenant vous savez choisir la résolution dans Logic Pro X ! j’espère que ces explications vous ont permis de comprendre l’importance de bien choisir la résolution avant de faire vos enregistrements. Et pour finir, le réglage de la résolution dans Logic est permanent. A la différence de la fréquence d’échantillonnage qui elle peut varier d’un projet à un autre. Dans quelle résolution maintenant vais-je recevoir vos pistes audio pour vous faire votre mixage ou votre mastering ?